메타모포시스 통합검색 결과

초이스

[초이스]나무를 심은 사람

시각 예술의 소명이 문학의 재현에서 탈피한 것은 비교적 최근의 일이었다. 예술의 자율성을 극단까지 밀어붙인 것이 추상 회화였고, 애니메이션계에서 궤를 같이한 것이 오스카 피싱거의 작품을 비롯한 추상 애니메이션이었다. 그럼에도 여전히 애니메이션은 서사에 종속적인 매체로 여겨졌다. 상당수 작가들이 그에 동의하지 않았고 새로운 창작방법론을 제안하기도 했다. 예컨대 캐나다의 노먼 맥라렌이 제창한 ‘메타모포시스’는 NFBC 소속의 많은 작가에게 영향을 미쳤다. 메타모포시스(metamorphosis)란 한 화면에서 다른 화면으로(혹은 한 사물이 다른 사물로) 마치 의식의 흐름처럼 이어지는 연출법으로, 영화의 디졸브 등과 달리 애니메이션만이 가능한 프레임 단위에서 조절되는 창작 방법론이었다. 메타모포시스는 애니메이션의 기본 문법으로 장착되기에 이른다. 프레데릭 백의 < 나무를 심은 사람 > 역시 그 흐름의 한 가운데서 창작된 작품으로, 그 분석과 평가에서 메타모포시스에 대한 언급이 빠지지 않는다. 문학을 재현한 작품이라는 점에서 가장 고전적인 접근을 취하고 있지만, 동시에 당대 첨단의 창작 이론을 수용했다.   장 지오노 원작의 < 나무를 심은 사람 >은 그 자체로 이미 고전이지만, 동시에 프레데릭 백이 제작한 동명의 단편 애니메이션 역시 고전으로 자리 잡고 있다. 이 작품은 화자이자 관찰자인 여행자가 발견한 엘제아르 부피에의 이야기다. 고독한 노인 엘제아르는 황량한 땅에 꿋꿋이 참나무를 심었고, 결국 결실을 맺어 그 지역을 풍요로운 마을로 되살린 것이다. 프레데릭 백은 원작을 충실히 재현하고자 한 것으로 보인다. 환경에 대한 그의 깊은 관심은 자연히 원작에 대한 존경으로 이어졌으리라 짐작된다. 실제로 < 나무를 심은 사람 >의 애니메이션화는 그의 오랜 염원이었다고 한다. 그래서인지 시각적 재해석보다는 충실한 재현이 주를 이룬다. 일반적으로 메타모포시스가 심오한 의식의 흐름 혹은 자유로운 이미지의 연쇄로 연출되는 반면, < 나무를 심은 사람 >에서는 문학 서술의 직접적인 반영에 그친다. 흥미로운 재해석대신 그 자리를 채우는 것은 노련한 장인의 솜씨다. 보기 드문 장인 정신과 원작의 엘제아르 부피에가 보이는 헌신적인 노력이 맞물려 절묘한 감동을 자아낸다. < 나무를 심은 사람 >에서 느껴지는 이러한 감회는 작품의 마지막 장면에서 특히 잘 살아난다. 노인의 얼굴이 클로즈업되는데, 카메라의 줌인을 쓰지 않고 한 장 한 장 새로 그려 더 세세하게 묘사한 얼굴이 다가온다. 부피에의 눈까지 이어지는 이 클로즈업은 우리가 그의 내면으로 들어가는 듯한 착각까지 불러일으킨다. 영화에서 클로즈업은 카메라 렌즈의 줌인 방식과 카메라 자체를 이동하는 방식 두 가지로 나뉜다. 큰 차이가 없을 것 같지만 영화감독들 사이에서는 상당히 중요한 방법론의 차이로 언급된다. 애니메이션의 경우, 그려놓은 그림을 카메라 줌인하느냐, 한 프레임 한 프레임 새로 그리느냐의 차이일 것이다. 그 차이는 극명하다. 한 프레임 단위로 다가오는 엘제아르 부피에의 얼굴은 그의 존재를 물적으로 존재하게끔 하고 그의 정신까지 엿보게 만든다. 주름진 얼굴에서 오버랩되며 이어지는 장대한 숲은 그의 인간적 위대함을 환기한다. 한 인간의 깊이를 포착해낸 뛰어난 연출로서 개인적으로 손꼽는다. 끈기와 인내라는 미덕을 충실히 묘사할 수 있었던 것은 역시 그와 같은 태도를 가지고 애니메이션 창작에 임한 프레데릭 백이었기에 가능한 일이었다. 이 작품이 감동적인 것은 단지 작품 속 주인공이 거둔 위업과 그 내용에 국한되지 않고, 프레데릭 백의 헌신적인 창작 태도가 겹치며 작품의 주제를 강화하기 때문이다. 삶과 작품의 일치, 그것이 필수 불가결한 미덕은 아니지만 선량한 가치를 추구하는 작가가 이룬 드문 성취이기에 더욱 뜻깊다.

최봉수 2018-02-23 조회 2,625

초이스

[초이스]놀이

애니메이션이 갖는 가장 큰 매력은 ‘움직임의 환영’이다. 애니메이션 속 움직임의 미학은 실사 영화와 또 다른 문법에서 펼쳐지면서 비사실적인 시공간과 환상을 통해 우리를 시지각적 유희의 세계로 초대한다.  스위스 태생의 독립애니메이션의 거장 조지 슈비츠게벨은 바로 이러한 비사실적인 이미지의 반복과 변주의 미학으로 독특한 시공간을 설계하며 우리를 몽환적인 환상으로 빠져들게 만드는 가장 대표적인 시각적 유희의 창조자이다. 스위스 제네바에 위치한 장식미술 대학에서 수학한 그는 졸업 후 잠시 광고계에 종사하다 1970년 클로드 뤼예와 다니엘 쉬테와 함께 독립 애니메이션 스튜디오 GDS를 공동 설립하고, 감독과 프로듀서로서 본격적인 애니메이션 창작 활동을 시작한다. 감독의 초기작부터 최신작에 이르기까지 작품 전체를 관통하는 것은 바로 시간과 공간을 자유롭게 유영하는 이미지의 반복과 변주이다. 작품 속 이미지들은 공간 속에서 배열되고, 해체되고, 또다시 재배열을 반복하며 시간의 흐름을 작동시킨다. 슈비츠게벨 감독의 작품들은 장면의 전환에서 컷이나 트랜지션의 사용을 극도로 제한하고 최소화하여 움직임의 흐름을 방해하지 않으려 한다. 메타모포시스 기법은 그의 작품 속에서 일관되게 사용된 방식으로 이미지의 움직임은 마치 무의식 속에서 꿈을 꾸듯 자유연상과 유사하게 끊임없이 재생된다.  < 놀이 Play >는 프로코피예프의 피아노 협주곡 제2번의 빠른 선율이 이미지 위를 흐르며 시간과 공간이 쌓이고 부서지는 절묘한 조화가 압도적인 작품이다. 이미지는 추상화에서 구체화로, 평면에서 다층의 레이어와 심도가 존재하는 공간으로 빠르게 흩뿌려진다. 메타모포시스 기법과 함께 그의 작품에서 발견할 수 있는 또 다른 독특함은 바로 사운드와 리듬이다. 사운드는 이미지 속에서 분절되고 통합되면서 추상적인 내러티브 속으로 우리를 깊이 빠져들게 만든다. 치밀하게 구성된 이미지와 박자 쪼개기는 그의 영상을 완벽한 시지각적 유희로 바꿔 놓는 요소이기도 하다. 빠른 템포의 음악과 함께 시작되는 유려한 움직임은 리듬에 맞춰 회화적 화풍의 평면을 시간과 공간이 존재하는 입체적 화면으로 변주하면서 흐르다가 되감기로 끝을 맺는다.  40년 넘게 묵묵히 지켜온 감독의 예술적 신념과 철학은 애니메이션의 미학적 지평을 넓히며 차세대 애니메이션 감독들에게 감동과 영감이 되고 있다. 그런 거장의 뚝심이 통했는지 2017년 프랑스 안시 국제 애니메이션 페스티벌에서 감독은 ‘평생공로상’으로 보상받는다. 눈이 호강하는 화려한 비주얼과 최신 CG 기술이 대세를 이루는 요즘 세상에서, 이제는 구하기조차 힘든 셀을 이용해 창작된 아날로그적 감성이 듬뿍 담긴, 투박한 듯 섬세한 그의 예술 세계를 여전히 만날 수 있다는 것이 그저 반갑고 행복할 따름이다.

추혜진 2017-11-15 조회 2,706

초이스

[초이스]미러 마스크

연일 이어지는 불볕더위에 바깥 온도는 38도를 웃돌고 있다. 요즘 같이 잔인한 무더위, 작열하는 폭염에는 올림픽 시청이나 영화 관람이 더위 날리기로 제격이다. 연일 밤을 새운 응원에 승전보를 접하기도 하지만, 몇몇 종목의 불만스런 판정은 마뜩잖은 새벽잠에 불편함을 더한다. 그래도 스웨덴의 전설적인 사격 영웅 오스카 스완이 1920년 앤트워프올림픽에서 72세의 나이로 은메달을 목에 걸며 역대 최고령 메달리스트가 된 꿈같은 기록들이나, 영화 속 환상을 실시간 현실로 만들어준 대니 보일 감독( 슬럼독 밀리어네어 , 2009 아카데미 감독상) 연출의 스펙터클한 개막식은 올림픽의 흥미를 더해주는 번외 다큐멘터리이기도 하다.  하지만 더위 날리기 1순위는 무엇보다도 냉방시설 잘된 영화관에서 시원한 콜라 한 잔과 고소한 팝콘을 먹으면서 영화 관람을 즐김에 이견이 없을 것이다. 이틀전날 밤 고1 아들놈과 친구들에게 에어콘 바람이 차가우니 웃옷도 한 벌 챙기라면서 심야시간의 < 다크 나이트 라이즈 >를 함께 보고 왔다. 7월 24일 영화관입장권 통합전산망의 집계에 따르면, <배트맨 다크 나이트 라이즈>는 24일 하루에만 27만 275명의 관객을 동원해 누적 관객 3,003,061명을 기록했다. 이는 19일 개봉 이후 6일만의 기록으로 2012년 개봉영화사상 최단 기간 300만 명 관객 돌파의 기록이다(< 어벤져스 >는 10일 만에 최단 300만 관객 돌파). 한편, 한국 멜로 영화사상 최대(410만 관객) 동원 기록을 세운 올 상반기 화제작 < 건축학 개론 >은 90년대 감성에 바람을 일으키면서 ‘마이클 런스 투 록` 등 국내에서 관련 음반들이 줄이어 발매되고 있다. 아울러 ‘우리에게 더 좋은 날이 되었네’라는 제목으로 귀에 익숙한 그리스 가수 아그네스 발차의 노래가 흐르는 < 시라노 연애조작단 > 등 승률이 꽤 높은 명필름의 주력은 특수효과를 애니메이션기법으로 처리하는 메이저급 할리우드 영화와는 달리 탄탄한 스토리와 기획에 기반하고 있음에 주목할 필요가 있다. 물론 음악과 캐릭터를 비롯한 몇 가지의 중요한 다른 조건들도 포함됨은 물론이다.  영화를 완성하는 요소는 여럿이지만 그중에서도 비중이 큰 3가지만을 꼽는다면 스토리, 캐릭터, 음악이라고 할 수 있겠다. 2012년 시카프 행사를 방문한 픽사의 이민형 TD는 인문학에 관심 갖길 제안하면서, 영화의 중요한 조건으로 캐릭터와 스토리를 꼽았다. “<메리다와 마법의 숲>의 경우에도 애니메이션을 만드는 데는 1년 반이 걸렸지만 스토리와 캐릭터를 만드는 프리프로덕션 단계에 5년을 공들였고, 공대 출신 기술 담당 임원들도 예술과 인문학에 적극적인 관심을 갖는 게 바로 픽사의 큰 힘이다”라고 강조했다.  그래서 이번 추천 애니메이션은 이러한 영화의 구성요소 중에서 < 다크 나이트 라이즈 >의 몽상적 스토리 이상의 몽환적인 스토리와 < 어벤져스 >에 결코 뒤지지 않는 감각적인 비주얼, < 시라노 연애조작단 >이나 < 건축학 개론 >에서 흐르는 복숭아 같이 향긋한 음악, 그리고 또 다른 재료들을 잘 배합해서 시적 일루전이라는 특별메뉴로 조리해낸 데이브 맥킨(Dave McKean)의 < 미러마스크(MirrorMask) >이다. 꿈같이 공상적이고 만화 같은 상상력이 풍부한 영화로는 팀 버튼의 < 피위의 대모험 >도 만만치 않은 작품이지만 만화적 요소에 애니메이션기법이 강하게 혼재한 데이브 맥킨의 <미러마스크>가 영상자료원의 추천애니메이션이라는 지정된 조건에는 좀 더 적격이라고 판단한다.  팀 버튼 감독의 만화 같이 황당한 설정의 실사영화들은 < 슈퍼맨 > 같이 만화주인공이 등장하는 ‘만화영화’나 애니메이션기법이 쓰인 ‘애니메이션영화’에 대해 용어상의 혼용과 학술적 개념의 혼란을 가지게 하지만 < 미러마스크 >는 이러한 만화와 영화 그리고 애니메이션의 복합적인 개념을 담고 있어, 심화된 만화와 영화, 애니메이션에 대한 새롭고 발전된 시도로 평가할 만하다. 특히, 이번 작품이 묘한 매력으로 끌리게 되는 이유는 무엇보다도 몽환적 이미지로 풀어가는 컬트 성격이 강한 비주얼들이다. 그래서 <미러마스크>를 리뷰하기에 앞서 데이브 맥킨에 대한 일러스트레이션작가로서의 필모그래피를 소개함이 다소 어둡고 무게감 있는 이 작품을 이해하는데 도움이 될 듯하다. 데이브 맥킨은 영국의 버크셔 예술디자인대학에서 디자인, 일러스트레이션, 영화를 전공했다. 25년 전인 1987년, 찰떡궁합인 글 작가 닐 게이먼(Neil Gaiman)과 함께 『폭력 사건들』과 『흑란』(1988)을 발표하면서 만화계에 데뷔했다. 이 두 작품은 1989년 유별난 작가 그랜트 모리슨의 시나리오에 그림 작가로 발표한『배트맨, 아크함 수용소(Batman, Arkham Asylum)』와 더불어 만화의 전형적인 틀을 깨는 창의적 만화 장치를 적용시켜 다수의 수상과 함께 국제적인 명성을 안았다. 1989년 이후에는 직접 시나리오를 쓰고 그림을 그린 그래픽노블『새장들(Cages)』(1993)을 출판했는데, 이 책으로 알프 아트 판테라 하비상을 수상하게 된다. 다른 주요 작품으로는 『코랄린』(2003), 『벽 속에 늑대가 있어』(2005), 『금붕어 2마리와 아빠를 바꾼 날』(2006) 등 책의 속지를 펼쳐보지 않고는 견딜 수 없는 독특하고 파격적인 만화책과 그림책들이 여럿 있다. 데이브 맥킨 | 배트맨, 아크함 수용소 | 샌드맨의 `모르페우스` 초상 | Dreaming  코랄린 | 벽 속에 늑대가 있어 | 금붕어 2마리와 아빠를 바꾼 날 이와 같은 데이브 맥킨의 그림이 특별히 가지는, 현실과 꿈을 오가는 시공간적 레이어에 놓인 회화, 사진, 오브제, 캘리그라피, 컴퓨터그래픽 등의 중첩 이미지들은 주세페 아르침볼도의 정물화에서 느껴지는 유머스런 일루전으로부터 모리츠 C. 에셔의 패턴이 재현하는 메타패턴의 이미지들에 바흐의 푸가 C-샤프 마이너가 절묘히 배합되어 시적 환영의 메타모포시스를 제공함으로서 퇴색하는 벽과 바닥과 천정의 티끌에서도 어렵지 않게 생성되는 신기한 환영들처럼 독자나 관객 스스로가 시적 연상을 통해 감성 넘치는 스토리를 확장할 수 있는 기회를 제공한다. 주세페 아르침볼도: 채소 기르는 사람 | 모리츠 C. 에셔: 패턴 이미지 데이브 맥킨 감독의 첫 장편 < 미러마스크 >는 글 작가 닐 게이먼의 『미러마스크』를 초안으로 2005년 짐 헨슨 스튜디오에서 만든 영화다. 간단한 줄거리는 가족 서커스단인 주인공 헬레나와 부모님의 떠돌이 생활의 지겨움에 대한 사춘기의 갈등과 해소에 관한 내용이다. 헬레나와 그녀의 어머니가 심하게 다툰 후 갑자기 어머니가 병으로 수술을 하게 되는데 그것이 모두 자신의 탓이라고 생각하면서 지루한 일상에 대한 반항, 사춘기의 도발적 방황, 부모님과의 갈등 등 트라우마 유형의 스트레스를 현실과 혼돈되는 꿈속에서 몽환적으로 풀어나간다. 감독은 헬레나의 병든 어머니를 상징하는 백색여왕의 병을 고쳐줄 미러 마스크를 찾아 얽힌 실타래를 풀듯 이야기를 엮어가는 과정에서 데이브 맥킨 특유의 상상력을 자극하는 독특한 이미지와 철학적 관념이 흐르는 스타일리시한 반투명 메타모포시스 기법을 중첩시켜 감성 넘치는 101분 상영시간의 인상 깊은 장편애니메이션영화를 완성했다.  그러나 묘사가 섬세하고 스토리라인의 조리가 분명한 팀 버튼 감독의 몰입감 강한 미국스타일 작품들에 비해 호불호 엘리트 예술가로서 또는 회화작가로서 데이브 맥킨이 표현하기 좋아하는 지나치게 복잡한 철학적, 관념적 유럽식 예술품격을 녹인 『배트맨, 아크함 수용소(Batman Arkham Asylum)』그래픽 노블에서 칸(패널) 사이에 놓인 스토리 완급에 대한 긴장감을 독자들 스스로가 유지하기를 요구하듯이, < 미러마스크 >의 스토리텔링에 대한 집중력과 인내 역시 온전히 관객의 몫으로 돌리고 있다. 개인적으로는 이렇게 관객의 호흡을 무시하는 형이상학적 지루함을 못내 답답하고 씁쓸한 옥의 티라고 조롱하고 싶다. -혼자 너무 잘 났어!- 혹자는 그러시겠지 “이게 도대체 만화야? 영화야?”  필자는 이렇게 반문하고 싶다. “글쎄, 요새 영화들은 도대체 애니메이션이야? 영화야?”

김일태 2012-08-16 조회 6,987