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[초이스]라이언 대표 이미지
초이스

[초이스]라이언

피폐한 삶을 어떻게 보여줄까? 평생의 상처를 안고 살아가는 사람의 흔적을 어떻게 보여줄까? 예를 들어 우리 몸의 상처를 얘기할 때는 보여주면서 이건 어렸을 때 개에게 물린 거고, 이마의 상처는 친구들과 싸우다 난 거라고 말할 수 있을 것이다. 그렇다면 우리 마음에 남은 상처를 어떻게 보여줄까. 그래서 피폐해진 몸과 마음을 어떻게 표현할까. 그것을 직관적으로 보여줄 수 있다면, 그것이 영상이거나 글로 묘사하는 문학이거나 우리는 그런 예술가를 천재라고 부르기를 주저하지 않는다.    라이언 라킨 어떤 예술장르이거나 그런 천재들은 있기 마련이다. 그러면서도 천재들의 삶이 그렇듯 예술적 비범함만큼이나 삶을 과감하게 탕진한 사례들은 얼마든지 있다. 애니메이션계에서는 라이언 라킨(Ryan Larkin)이 그런 천재 중 한 명이다. 보통 그의 천재성을 말할 때 10살부터 유화를 그리고 13살에 미대((Montreal School of Fine Arts)에 입학한 사실을 거론한다. 또한 19살에 애니메이션을 만들어본 경험이 없음에도 전 세계 애니메이터들이 꿈꾸는 캐나다국립영상위원회(NFB)에서 거장 노먼 맥라렌의 적극적인 지지 아래, 자신만의 독창적인 제작기법과 표현 방식을 개발하여 주목받았다.  그는 영감에 의해 작업을 해왔던 애니메이터로 첫 작품부터 재능을 단번에 드러냈다. 마지막 작품은 애니메이션의 큰 특징이라고 할 수 있는 메타모포시즈metamorphosis 기법(나비가 애벌레에서 나비로 변화여 가듯 한 사물이 조금씩 변하여 전혀 다른 사물로 형상화하는 기법)을 최대한 활용한 걸작이었다. 그럼에도 라이언 라킨은 바라던 아카데미상을 받지 못했다. 오늘 소개하는 애니메이션 < 라이언 >은 라이언 라킨을 소개하는 다큐멘터리다. 이를 제작한 크리스 랜드레스는 2004년 라이언 라킨의 삶을 그린 14분짜리 < 라이언 >으로 아카데미상을 수상했다. 과연 누가 표현의 천재일까?      라이언 라킨(좌) 캐릭터와 감독 크리스 랜드레스(우) 캐릭터 <라이언>은 첫 장면부터 사람이 약물과 마음으로 입은 상처를 효과적으로 그려내며 관객을 경악하게 만들었다. 감독인 크리스 랜드레스가 애니메이션의 등장인물로 직접 출연, 인터뷰어의 역할을 하고, 라이언 라킨 역시 인터뷰이로 출연하여 자신이 캐릭터에 직접 목소리를 입혔다. 애니메이션은 공중화장실의 어둠 속에서 물 내리는 소리로 시작한다. 크리스 랜드레스가 첫 장면부터 등장, 거울 앞에서 과거의 상처를 애기하며 분열된 내면과 작가로서의 불안을 자조하듯 중얼거린다.  인터뷰는 노숙자 급식소 같은 곳에서 진행된다. 라이언의 인터뷰지만 그와 관련 사람들이 소환된다. 첫 번째로 한 때 애인이었던 펠리시티가 등장하는데, 그녀는 컬러의 선으로 표현되어 라이언이 그녀와 행복했음을 보여준다. 그녀는 라이언이 인생에서 항상 아슬아슬한 경계에 있었다고 증언한다. 여기서 주목받던 작품 < 걷기Walking >과 < 거리음악Street Musique >이 소개되는데, 그의 애니메이션은 몸이 어떻게 움직이고 변하는지 보여주는 필름이다. 라이언은 거울 앞에 서기를 좋아했고, 벌거벗은 상태에서 자신의 몸과 살이 움직일 때 어떤 상태인지 관찰하며 그림을 그려왔다. 그는 회화만이 아닌 음악과 결합된 움직임을 창조하고 싶어 했다.  이어서 그가 잘 나가던 시절 프로듀서인 데렉 램이 소환된다. 그는 라이언이 자신감을 잃고 분노만 남은 사람으로, 코카인의 힘으로 뭔가 대단한 걸 만들 수 있다고 생각했지만 그게 그를 파괴했다고 증언한다. 이후 인터뷰어인 감독은 라이언에 대한 자신의 생각을 들려준다. 상실감이 가장 파괴적인 것이라며 그는 아무것도 할 수 없다는 라이언에게 술과 담배를 끊고 재기했으면 좋겠다고 권한다. 급식소 안에 등장하는 캐릭터들은 흡사 라이언이 지나온 모습 같다. 라이언의 모습을 보며 감독은 어린 시절 어머니의 알코올중독을 떠올리고, 마지막은 라이언의 거리 구걸하는 모습을 보여주는데, 라이언 뒤의 배경(상점 유리)에는 잘 나가던 시절의 라이언이 비춰지며 암전된다.   <걷기>(1968) <라이언>에는 라이언 라킨이 그린 독특한 작품도 맛볼 수 있는 재미가 있다. 유튜브 에 올라 있으니 전편을 보면 좋겠다. 특히 1968년 작 <Walking>은 단순하지만 다양한 걸음을 디테일하게 보여준다. 마치 로토스코핑(rotoscoping)을 사용한 듯 실감나는 인체 묘사와 다양한 포즈, 액션이 인상적이다. 수채화로 채색한 그림과 선의 움직임은 음악의 비트에 맞춰 라이언 라킨의 독특한 타이밍 감각을 보여준다.    누더기처럼 너덜너덜한 육신으로 연신 술을 들이키며 예술적 영감으로 넘쳐났던 과거를 이야기하는 노쇠한 남자, 라이언 라킨. 애니메이션의 새로운 표현방식을 제시하며 당시의 애니메이터들을 놀라게 했지만, 거리의 노숙자로 살아가며 사람들의 기억 속에서 잊혀져갔다. 감독은 라이언 라킨을 인터뷰하면서 그의 모습이 자신의 모습이기도 하다는 걸 드러낸다. 부서지기 쉬운 사람, 상처받은 사람이라는 공통점으로 그들은 연결된다. 그들에게 세상은 선명하게 보이지 않는다. 뭔가 유동적이고 왜곡되어 있다. 예술가로서의 동질감을 크리스 랜드레스의 애니메이션은 보여준다.      이 작품은 3D 그래픽만이 표현할 수 있는 소재와 내용을 다루고 있다. 애니메이션을 만들 때, 왜 애니메이션으로 만들어져야 하는지를 고민해야 한다. 그런 면에서 크리스 렌드레스는 <라이언>이 왜 애니메이션으로 만들어져야 하는지 정확하게 답했다. 3D그래픽은 감독 자신의 캐릭터는 물론 라이언의 절망감과 생애, 특히 알코올과 마약 중독자의 특징과 상처를 효과적으로 표현했다. <라이언>의 캐릭터 디자인은 기이하고 우스꽝스럽고 고통스럽기까지 하다. 보통 파편화된 삶이라는 표현을 쓸 때, 파편화된 모습이 어떤 것인지 직관적으로 떠올리게 한다. 여기저기 벗겨진 피부와 앙상한 뼈대 사이로 텅 빈 내부가 고스란히 보인다. 감독은 라이언 라킨을 뒤틀린 신체의 일부만으로 표현한다. 파격적이고 기괴한 캐릭터를 통해 라이언의 분열되고 상처 입은 내면을 상징적으로 보여 준다. 관객은 이러한 시각적 표현과 기이한 이미지를 접하며 강렬한 충격에서 영화를 시작해서 끝날 때까지 긴장을 놓지 못한다. 또한 끝나고 나서도 파격의 이미지가 던져주는 시각적, 기술적 새로움을 넘어 두 예술가의 삶과 예술에 대한 동질감에 감동받는다.    애니메이션영화제에서 우연히 라이언과 어울리게 된 감독 크리스 랜드레스는 부랑아 정도로 여겼던 라이언에게서 비범한 예술적 재능이 있음을 알아채고, 4년여의 시간을 함께 보내면서 라이언 라킨의 삶을 애니메이션으로 기록했다. "처음 영화를 시작했을 때, 그의 삶은 여러 가지로 상징적이었어요. 그의 삶은 예술가라면 가져야 할 열정과 나이를 먹으며 어떻게 삶을 마칠 것인가에 대한 두려움 모두를 의미했습니다. 그는 예술가가 가장 두려워하는 곳에서 살고 있었지요. 최악의 상황에 처한 한 남자의 삶은 어떠할까? 저는 이것을 보여 주고 싶었습니다. 이 작품은 비극이지만 유머나 인간미 역시 담고 있습니다.”감독의 말처럼 <라이언>은 그저 불행했던 한 사람에 대한 이야기는 아니다. 좌절한 애니메이터 라이언 라킨에 대한 이야기인 동시에 감독 자신을 포함한 모든 예술가에 대한 이야기이기도 하고 더 나아가 상처받은 사람들에 대한 이야기이다.  두 예술가, 라이언 라킨과 크리스 랜드레스의 공허감은 채워질 수 없는 예술적 완성에 대한 욕망으로 보인다. 드로잉에 있어 천재적인 재능을 인정받았던 라이언 라킨은 종이에 그림을 그려 움직임을 만들었던 전통적인 애니메이터였다. 그런 그가 노숙자로 전락한 그의 모습은 어떤 의미에서는 다분히 상징적이다. 피폐한 라이언의 모습과 그것을 재현하는 크리스의 3D 표현력은 마치 컴퓨터에 밀려 점점 설 자리를 잃어가고 있는 전통적인 애니메이터의 현재를 보여주는 동시에 컴퓨터 그래픽이라는 새로운 테크놀로지도 삶의 현실을 담고 이야기를 담을 수 있음을 보여 준다. 보들레르는 우리를 둘러싸고 있는 매우 일상적이고 처연한 실생활과 순간적이고 소멸되는 성격의 현대 도시의 삶 속에서 독특한 것과 개인적인 것을 통해 새로운 미(美)를 발견하려고 하였다. 그런 의미에서 이 작품은 새로운 미를 보여준다.  <라이언>은 2004년부터 안시애니메이션페스티벌과 아카데미 등의 굵직한 시상식에서 앞서 소개한 박세종의 <축생일> 과 경쟁하며 주목을 받았다. 인물에 내재된 욕망과 트라우마까지 형상화한 독특한 컴퓨터그래픽 애니메이션은 시각적 충격과 탄탄한 서사로 강력한 매력을 뽐낸다. 후일담이지만 <라이언> 성공 이후 라이언 라킨은 여성 감독 로리 고든과 함께 2008년 < 한 푼 줍쇼Spare Change >라는 7분짜리 애니메이션으로 재기했다.  

한승태 2018-04-16 조회 5,638

[초이스]얼굴들 대표 이미지
초이스

[초이스]얼굴들

< 얼굴들 >은 시그네틱스 여성노동자들의 투쟁을 다룬 다큐멘터리이다. 2001년 시그네틱스는 파주로 공장을 이전하면서 노동자들에게 이후 투자계획이 없는 안산공장으로 출근하라는 통보를 한다. ‘기계는 가져가도 사람은 가져가지 않’는 회사를 향해, 노동자들은 파주공장으로의 고용을 요구하며 투쟁을 시작했고, <얼굴들>은 투쟁이 장기화되던 시점의 여성노동자들의 얼굴을 바라본다.  한 여성노동자가 인터뷰 도중 들려오는 목소리에 난감한 표정이 된다. 방 안에 있던 남편이 물을 한 잔 가져다 달라는 말이었다. 그녀는 인터뷰를 멈추고 물을 따라 쟁반에 받쳐 방으로 가지고 들어간다. 이 장면은 여성노동자들이 싸워야 했던 대상이 사측만이 아니었음을 상징적으로 보여준다.  시그네틱스의 노동자 대부분은 기혼여성이었다. 여성노동자는 우리의 이야기를 들어달라고 사측을 향해 소리 지르다가도, 아이에게 온 전화에 미안한 목소리로 밥은 먹었는지를 물어야 했다. 투쟁이 길어지면서 일상의 무게는 더 커졌다. 괜한 책 잡히면 안 되니까, 우리가 투쟁하려면 집에서는 그전보다 더 잘해야 한다고, 반찬도 더 맛있게 해야 하고 집에서 더 모범이 되어야 한다고 교육도 했다. 남편들은 그녀들의 투쟁을 ‘허락’해주는 사람들이었고, 아이들은 그녀들의 마음을 아리게 하는 존재였다. 그녀들은 자신들의 몸을 담보로 하는 단식투쟁을 하면서도 집에 쌓여있을 빨래와 다 떨어졌을지 모를 반찬을 걱정하고, 곁에 있어주지 못하는 아이들에 대한 미안함에 눈물을 보였다.  “승리하여 존경받는 어머니로 살아갑시다” 투쟁 현장 한편에 붙어있는 대자보를 비추며?감독은 말한다. “투쟁에 승리해서 존경받는 어머니가 되면 그 죄책감에서 벗어날 수 있을까.” 그녀들도 알고 있다. 일자리를 되찾기 위한 투쟁을 하면서, 돌아갈 곳이 아이들과 남편의 곁인 것처럼 감정적인 호소를 하는 것이 결국 스스로를 얽매이게 할 수도 있다는 것을. 스스로가 만들어낸 굴레에서 더욱더 열심히 쳇바퀴를 돌려야 한다는 것을. 감독의 조심스러운 물음에 한 여성노동자는 답한다. ‘노동만 내세워서는 우리 싸움을 봐주지 않으니까…현실이 그러니까. 그것도 우리 투쟁이니까.’ < 얼굴들 >은 2006년 제작된 작품이다. 영화가 완성되고 10년 가까운 시간이 지났지만 여성노동자들의 삶은 영화 속의 그것과 크게 다르지 않은 듯하다. 어쩌면 더 나빠졌을지도 모른다. 여성들이 임금노동자이자 가사노동자로 일하면서도 ‘안쓰러움’ 이상의 연대를 하지 못하는 현실. 이 작품은 10년간의 정체를 돌아보게 만드는 힘이 있다.  이 영화의 또 다른 미덕은 막막하고 답답한 현실 속에서도 빛나는 ‘얼굴들’을 보여준다는 것이다. 점거, 단식, 고공농성... 할 수 있는 걸 다 했다고 한 시점에도 그녀들은 쉽게 포기하지 않는다. 돈 몇만 원이 부족해서 아이 급식비 지원을 신청하러 가야 하는 것도 싫고, 집이 가압류 되어 한 번씩 송장이 날아오면 마음이 무거워지지만 그녀들은 서로의 손을 놓지 않는다. 그것이 우리의 자존심이라고 말한다. 생계를 유지하기 위해 도배사를 하기도 하고, 다른 공장에서 아르바이트를 해야 하기도 한다. 그녀들이 서로를 바라보는 얼굴은 아프다. 아프지만 아름답다. 감독은 내레이션을 통해 그녀들의 얼굴에서 자신의 얼굴을 보았다고 했다. 아마 관객들도 이 작품을 통해 ‘나’의 얼굴을 마주할 수 있을 것이다. + 시그네틱스 노동자들은 2007년 법원 판결 후에 복직되었지만 2011년 다시 정리해고가 되었다, 그녀들은 14년째 복직 투쟁 중이다.

지민 2015-09-15 조회 5,102

[초이스]잘 먹고 잘 사는 법 대표 이미지
초이스

[초이스]잘 먹고 잘 사는 법

뜨거운 화롯불에 삼겹살을 구워먹고 싶어 마포의 허름한 고깃집으로 들어갔다. 기분 좋게 소주를 한잔 들이켜고 삼겹살 한 점을 먹으려던 차, 가만히 앉아 양배추를 씹어 먹고 있던 여자 후배를 바라보았다. “저 고기 안 먹어요. 저 신경 쓰지 말고 드세요.” 입맛이 싹 달아났다. 뭔 유난을 떠는가 싶기도 하고, 나는 시비를 걸기 시작했다. 어떤 것은 먹고, 어떤 것은 먹지 않는지 캐물었고, 그녀가 먹는 음식에 딴죽을 걸며, 그것은 왜 먹느냐 그것도 동물성 기름으로 튀긴 과자라며 그녀를 몰아세웠다. 그녀는 많이 겪는 일이라는 듯 여유 있게 양배추만을 씹어 먹었다. 나는 왜 입맛이 달아났을까? 나는 왜 그녀의 식성에 흥분해서 딴죽을 걸었을까? < 잘 먹고 잘 사는 법 >의 주인공인 정호는 엄마를 따라 생식을 하는 초등학생이다. 엄마는 아버지의 죽음으로 인해 정호에게 채식과 생식을 권하고 그녀 역시 채식과 생식을 한다. 착한 정호는 엄마의 권유를 잘 지키지만, 학교 내에서의 생활은 불편하다. 정호는 급식을 먹는 반 아이와 달리 홀로 엄마가 싸준 생식도시락을 먹는다. 이를 지켜보던 동급생 여자 혜미는 초콜릿을 선물하지만, 냄새만 맡던 정호는 초콜릿을 땅에 묻어버린다. 그렇게 정호는 엄마와의 약속과 친구와의 관계에 대해 갈등한다.  이 영화는 나와는 다른 삶을 살고 있는 정호의 일상을 보여주며, 정호의 갈등이 어떻게 해소될 것인가에 대해 집중하고 있다. 나는 이 영화를 보는 내내 혼란스러웠다. 생식을 강요하는 정호의 엄마가 밉기도 했고, 먹고 싶은 것을 먹지 못하는 정호를 보며 바보 같다 생각했고, 이를 비난하는 혜미의 말에 속이 시원하기도 했다. 하지만 정호가 왜 생식을 하는지에 대해 이해가 되면서 내가 가지고 있던 편견들이 사라지기 시작했고, 정호를 비난했던 혜미의 따뜻한 이해가 나에게 큰 가르침을 주었다. 이 영화는 채식과 생식의 옳고 그름에 대한 논쟁을 유발시키는 영화가 아니다. 나는 이 영화는 관계에 관한 영화라고 생각한다. 우리는 서로의 다름에 대해 즉각적으로 불쾌감을 표시 할 때가 많다. 이것을 달리 얘기하면 누군가가 내가 생각하는 정상적인 것에 대해 벗어 나 있으면, 비정상적인 것이라고 규정하고 정상화 시키려 폭력을 행사 한다. 이러한 행태는 우리 사회 전반적으로 만연해 있다. 앞서 이야기한 나의 경험처럼 말이다. 그녀는 비정상적인 것인가? 그녀의 입에 삼겹살을 쳐 넣고 싶은 나는 정상적인 것인가? 우리는 정상적인 것이라고 믿는 것에 대해 충분히 고찰해 볼 필요가 있다. 우리는 몇 년 전 까지 좌측보행을 정상적인 것으로 생각했지만, 선진국들은 우측보행을 한다며 2010년 7월부터는 우측보행을 하기 시작했다. 이제는 좌측보행이 비정상적인 것이 되어버렸다. 이렇듯 정상적인 것이라는 것은 절대적이지 않다. 그렇다면 우리는 달리 생각해야 한다. 단지 나와 다른 것이 아닌가?  정호의 갈등을 지켜보던 혜미는 떡볶이를 먹으며 정호에게 말한다. “나는 솔직히 이해가 잘 안 돼. 네가 먹는 것. 근데, 나는 떡볶이도 좋아하고 너도 좋아하니까. 둘 다 좋아하니까. 둘 다 맞다고 생각하기로 했어.”

김태곤 2014-03-19 조회 4,166

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